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《雷雨》上海演出再遭观众笑场 针对年轻演员表演

时间:2018-8-1 13:33:53来源:本站 作者:admin 点击:989次
今年是《雷雨》剧本发表80周年,也是北京人艺的这部经典首演60周年。第三版《雷雨》在问世十年后,为何遭遇笑场?来自城里的老师,有时会不自觉地将村里孩子与城里孩子比较。他们都能够乖乖听讲,但基础更差的村里孩子明显比城里孩子更认真。黄伟男的第一堂课,告诉

    今年是《雷雨》剧本发表80周年,也是北京人艺的这部经典首演60周年。第三版《雷雨》在问世十年后,为何遭遇笑场?

    来自城里的老师,有时会不自觉地将村里孩子与城里孩子比较。他们都能够乖乖听讲,但基础更差的村里孩子明显比城里孩子更认真。黄伟男的第一堂课,告诉孩子们要像爱护眼睛一样地爱护长号。几周之后,让他感动的是,孩子们虽然都忘记了“眼睛”的比喻,但仍然会说,“像爱护家人一样”,“爱护手足一样”爱护长号。

    记者 潘妤 陈晨 罗昕

    京剧“裘派”传人迷上街舞引热议  在上周末《中国好舞蹈》炫舞阶段大结局中,出身于京剧名门的裘继戎所展示的一段街舞赢得了三位导师的一致好评。白色绸衫搭红色丝巾,裘继戎卡着楚辞源头《越人歌》的古典节奏跳起了街舞(见右图),三位导师展开激烈的抢人大战,裘继戎最终选择了海清的北京训练营。裘继戎是京剧“裘派”的第四代传人。“然而,裘继戎却迷上了迈克尔·杰克逊的机械舞。这种看似叛逆的行为引起了同行、包括自己亲人的反对,但裘继戎他对京剧文化的“另类诠释”很坚定,“我用自己独有的方式让大家感受京剧的气场,让它更容易流传开来。”裘派”作为著名的京剧世家,以其韵味无穷的唱腔表演闻名于世。裘继戎的曾祖父裘桂仙是老裘派花脸创始人,祖父裘盛戎将裘派唱法发展到登峰造极的境界,父亲裘少戎子承父志,为振兴京剧事业耗尽心血,在他弥留之际,将儿子裘子千改名为裘继戎,用意显而易见。父亲的意愿、家族的责任,把裘继戎这个本不打算学戏的孩子推进梨园。然而,当自己的同学在天天吊嗓的时候,裘继戎在练习着迈克尔·杰克逊的太空步,听流行乐。裘继戎在中央戏剧学院的四年时间里,基本没碰过戏,同学、老师都把他当作“怪物”。

    作为“2018年上海话剧艺术中心精品剧目邀请展”的开幕大戏,北京人民艺术剧院的看家戏《雷雨》来到上海,今晚将在话剧中心艺术剧院首演。因为前几天“《雷雨》北京学生场成爆笑场”的事件余热未消,这一演出也因此受到了极大的关注。而由于《雷雨》在上海的演出早早一票难求火爆异常,主办方特地在前晚安排了一次彩排场。

    365体育在线新余8月28日电 (记者 王剑)28日是中国农历丁酉年七月初七,是以浪漫为名的中国传统佳节七夕节。中国(新余)七夕文化高峰论坛当日在中国七仙女传说之乡江西新余举行,来自国内高校、智库的知名专家共论畅谈七仙女故事和仙女文化。

    让人意外的是,这场以专业人士和媒体为主的内部场,观众也依然笑了。虽然没有达到“爆笑”和“哄笑”的程度,但演出中,大大小小的笑声却也有几十次之多。剧场里虽然不乏年轻的90后,但70后和80后占据更大多数,而他们,在演出后表示自己或多或少都笑了。

    365体育在线广元12月15日电(苗志勇)12月15日晚,由刘晓庆领衔主演的话剧《武则天》在四川广元大剧院拉开全球巡演帷幕,座无虚席的大剧院一次次被观众的热情触及沸点。

    今年是《雷雨》剧本发表80周年,也是北京人艺的这部经典首演60周年。《雷雨》是戏剧家曹禺的第一部话剧,也是中国现代话剧成熟的标志。《雷雨》的笑场事件引发了各种关于经典作品时代代沟的争议之声,也有关于作品艺术本身的讨论。但是,此次上海场的演出,早报记者在和很多观众交流中,大家普遍表示,引起发笑的并不是《雷雨》作品本身和北京人艺的演剧方式,更不是因为年轻人的观剧素养,最主要的还是演员的表演问题。一些观众表示:“看了这个《雷雨》,感觉真不能怪90后观众。”

    据导演王晓鹰介绍,在新一轮演出中,女兵将穿着更加美丽的俄罗斯民族服装演绎剧中的“圆舞曲”段落,以进一步强化“美好的意象”。由合唱团演员饰演的“白桦林”也将在造型上有所改变,以更为挺拔、修长的身姿与“枪”的意象相呼应,并表现出俄罗斯大地、俄罗斯儿女的内在精神及对侵略者的反抗。

    上海话剧艺术中心副总经理、编剧喻荣军也坐在彩排现场,他坦言,戏里确实有一些笑点,有些是作品本身就有的,有些是年轻演员的表演问题。但他觉得现场观众看戏的心态也有问题,大家都抱着看看到底好笑不好笑的预设坐在了剧场。“如果笑声不在创作者需要的点上,一定有问题。问题是双方的,现在强调任何一方都有失偏颇。但这件事情本身一定是一个很好的提醒,会让做戏的人思考‘与时俱进’的问题。只是看戏的时候希望观众不要再考虑会不会笑,否则搞坏看戏的心态,失去一次看好戏的机会。多年之后,再回头看这次讨论,会很有价值。”

    由赵燕侠独自挑班长达15年的燕鸣社,在政府的动员下并入了当时实力最强的北京京剧团,与比她年长的马连良、谭富英、张君秋、裘盛戎并列五大头牌。1963年,赵燕侠和马连良、张君秋、裘盛戎四人组团赴香港演出,她鲜明的艺术特色受到海内外观众的一致肯定。后来周总理看了赵燕侠演出的《玉堂春》之后,兴奋地评价:“这就是中国的《复活》嘛,赵燕侠可以自成一派。”从此赵燕侠的“赵派”唱腔更广为流传,赵燕侠不喜欢用话筒演出,“原本一个人唱戏一个味儿,用了话筒都变成一个味儿了——‘话筒味儿’。”赵燕侠演唱即便没有话筒和字幕,观众也能听得很清楚,她的吐字清晰,大胆舍弃难懂的上口字和尖字,改用易懂的京音,又不失京剧韵味。同时强调情感充沛,逼真扮演角色。

    第三版《雷雨》

    不过,毕业到了剧团让吴琼有了很大的心理落差,“我在团里经常演配角或二组,拍电影电视我也是给别人配音,像是演双簧。每次拉开大幕,看到台下都是头发花白的观众,内心有很大的落寞。我们那时才十八九岁,始终感觉年轻人不走进剧场,不来跟我们呼应,内心的落寞感很强。”在剧团长时间不能演主角和这种落寞感,让从小喜欢唱歌跳舞的吴琼离开了黄梅戏舞台。

    已经有了与时俱进

    6月29日晚,新版民族歌舞剧《刘三姐》全球巡演的武汉首秀,在武昌花山的碧桂园·生态城闪耀登场。由第五代刘三姐、主演《印象·刘三姐》的“谋女郎”王予嘉领衔,该剧给观众带来一个时尚国际范儿的《刘三姐》。而中国好声音实力唱将戴月等到场助威,也让严西湖畔星光闪耀。 标签:刘三 姐 闪耀 戴月 范儿

    《雷雨》作为一部舞台剧,诞生已经60周年,在很多观众看来,北京人艺的《雷雨》无论是演出剧本还是场景方式,都严格遵循了北京人艺的传统,60多年来没有太大的变化。而经典传承,一直以来也都是北京人艺剧院自身所坚持的特点。

    本次国家大剧院版《茶花女》演出中,著名指挥家余隆率中国爱乐乐团首度加盟NCPA制作成为了一大亮点。在新闻发布会上,国家大剧院副院长朱敬表示:“国家大剧院与中国爱乐乐团在艺术理想上有着十分契合的共鸣点。中国爱乐乐团拥有非常高的艺术水准,可以说成为了中国在国际表演艺术领域的一张文化名片。国家大剧院在原创自制剧目中的探索,也可说是有目共睹。我们和中国爱乐乐团的强强联合,是注定的。只是时间和机缘的问题。本次以《茶花女》为契机,双方的合作可谓水到渠成,也是缘分使然。”作为活跃在国际国内乐坛的杰出中国指挥家,余隆曾为多个版本的《茶花女》执棒,对该剧有深入的认识和独到的见解。而曾被英国《留声机》杂志誉为“世界十大最具影响力乐团”的中国爱乐乐团不仅在交响音乐的诠释上拥有出色水准,在歌剧演绎方面同样拥有丰富的经验。在发布会上,余隆指挥表示:“《茶花女》是我在很多歌剧院、与很多导演合作过的一部剧,我很喜欢大剧院这部作品,也希望能够在创作中激发出火花。”谈到本次合作,他坦言:“多年来我们双方都在各自的领域耕耘,大剧院为中国打造了一套完整的、标准的歌剧制作的模式,起到了划时代的作用,在不到十年间共推出了包括11部中国原创歌剧在内的45部歌剧制作,这种纪录应该载入史册。国家大剧院在歌剧上,不仅是在中国、亚洲,在世界上也是一个值得敬仰的机构。中国爱乐多年来也做了不少歌剧,受到大家称赞的包括《卡门》《罗密欧与朱丽叶》《帕西法尔》《阿里阿德涅在拿索斯》等等。大家都很高兴能够有这次机会合作,完全是基于对艺术创作的冲动、一种追求极致的状态,希望中国爱乐乐团本次的演出能够交一份满意的答卷。”谈到双方今后的合作时,余隆指挥还透露,2018年将由国家大剧院管弦乐团和合唱团为本届北京国际音乐节开幕演出。

    但其实,自1954年首演以来,《雷雨》作为北京人艺的看家戏已经传承了三个版本。第三版导演顾威曾是第二版中的主演,他在上海演出前接受记者采访时表示,第三版虽然看似最大的变化是把繁漪扶正为第一主角,但背后的解释是“人性的挣扎与呼喊”。顾威说:“相比之前的两个版本,《雷雨》第三版其实已经与时俱进,设想二三十年、四五十年前,我们大概不敢这么解释。”

    有一次河南某地检察院的拿着青铜器让我老师看,半天没出屋,东聊西聊就是不说真假,最后出门我说这是假的。后来我老师告诉我这个我要是说假 ,就按照文物诈骗罪来判这个人,我要说真就按倒卖文物罪来判这个人,家属都要找来。

    顾威说,“《雷雨》诞生之初受时代的影响,阶级论、阶级斗争、阶级分析主导了对雷雨的解释,到了1989年我们那一版,更强调了社会问题。之前的反封建也好,家长制也好,一言堂也好,这些都不太符合曹禺先生原著的意义和他本人的精神,因为曹禺先生自己说过:‘我的《雷雨》不是社会问题剧’。”

    林连昆找到中戏要看任鸣的档案,但中戏希望任鸣留校任教,硬是不放人。结果,当时人艺副院长于是之亲自给中戏院长徐晓钟写了一封信。任鸣拿着这封信找到徐晓钟,中戏这才放人。

    在主题解释调整的同时,三版《雷雨》的演员阵容也有了“代代相传”的延续。最早的第一版都是人艺老一代艺术家郑榕、朱琳、苏民等出演。而到了1989年,北京人艺复排了第二版《雷雨》,主演分别是顾威、濮存昕、龚丽君等。2004年,北京人艺第三版《雷雨》在前两个版本老艺术家们的指导下再度公演,而这个版本也就是此次来到上海演出的阵容。由龚丽君饰演的繁漪、杨立新饰演的周朴园、王斑饰演的周萍、夏立言饰演的鲁侍萍、白荟饰演的鲁四凤、张万昆饰演的鲁贵、孙大川饰演的鲁大海和徐白晓饰演的周冲。

    此外,导演何念在创作中延续该剧一贯的时尚气息和幽默感,又用钢琴、红裙飘飘的独舞为演出加入诗意。谈到这部戏的泪点和笑点,何念说:“‘点’无需刻意寻找,观众只需放松身心地坐在剧场中,在舞台上的故事中回味自己的青春故事,然后笑声和泪水也就自然地随之而来。” (记者 谢奕娟)

    第三版《雷雨》已经问世十年,但演员阵容丝毫未改,也因此,除周朴园、侍萍和鲁贵,剧中演员年龄感普遍偏离角色,尤其是周冲和四凤都有明显装嫩之嫌,这或许也是观众感到好笑的原因。

    昨日,有记者致电王学兵妻子求证此事,她回应称:“怎么可能啊,这太奇怪了,我没什么好回答的。”2自作自受吸毒史长达15年王学兵因涉毒被北京警方拘捕后,昨天下午3点,有知情人士爆料,称王学兵这次被抓是因为遭到了好朋友的举报,将其吸毒地点通知了北京警方。而北京警方从2月份开始,就苦苦蹲守王学兵吸毒的证据。

    事实上,2005年,北京人艺曾经带着第三版《雷雨》和另一部看家戏《天下第一楼》来到上海大剧院演出,但是那一年的演出因为宣传等各种原因,无论票房和影响力都不是特别理想。但是仅仅隔了9年,因为2年前北京人艺60周年来沪展演的巨大反响,这一次北京人艺在上海话剧艺术中心的演出,所有7场演出都出票火爆,尤其《雷雨》更是一票难求。

    华西都市报:作曲在旁人听来,也属于有些孤独的职业,成名同样很难,你对坚持创作的人有什么建议和告诫吗?胡小鸥:我想用我在陈怡老师(美国文学艺术院院士,密苏里堪萨斯大学终身教授,艾夫斯大奖获得者)和周龙老师(美国普利策奖获奖者)的话来回答:作曲不是一种工作,也不是一种职业,是一种生活方式,是一辈子的事。用《平凡的世界》润叶写给少安的情书讲就是,“我愿意和你一辈子好,咱们慢慢说这件事。”华西都市报记者 陈颖胡小鸥成都出生的70后,毕业于四川音乐学院,后赴美国学习作曲,是西部省区第一个在美国把作曲读到博士的人。曾荣获莫顿·古尔德世界青年作曲家奖、达维多夫斯基音乐节作曲奖、乔治·埃奈斯库国际音乐节唯一作曲大奖(近50年以来中国音乐家在该赛事中荣获的最高奖项)等,曾为美国密苏里州堪萨斯大学作曲系博士研究生院助教。2018年第一位被意大利卡萨玛吉奥国际音乐节邀请的驻音乐节华人作曲家,被当代作曲大师、配乐大师菲利普·格拉斯誉为“具有新音乐语言的作曲家”。

    虽然表示自己的第三版和过去有所不同,但顾威也表示:“我之所以署名是重排导演,就是因为经典地位不能撼动,保持原汁原味不丢人,我坚持不能拿经典开涮。夏淳老师的一些调度已经成为经典,我用虔诚的态度来对待这些经典。”

    为了能够做好小剧场魔术,曾经在联想公司任职的孙峥去年6月辞了职,成为一名专业魔术师。他知道,通过电视、网络这样的途径去传播魔术,效率更高、传播得速度也更快,“你在小剧场演十年可能也不如一次网络传播的受众广,但魔术不应该这么传播,只有在现场才能真正体现魔术的魅力,我想把它带回剧场。”

    笑场不是针对经典

    此次的《云南映象》演出时间适时缩短,剧目更加精炼,第一幕《混沌初开》减少了打击乐演奏,更加突出了开天辟地的仪式感。“打歌”和“烟盒”的歌舞在更新过的灯光与投影的映衬下,也更为强烈。尾声的《雀之灵》演出形式与原生态环境更加接近,用传统男演员参演的“孔雀舞”进行了重新组合。特别是两位出身舞蹈世家的小演员的加盟,也让已经由几代演员共同完成的《云南映象》神话有了新鲜血液。同以往演出不同的是除了演出地点换成了国家大剧院,今年10月23日,云南杨丽萍文化传播股份有限公司收到全国中小企业股份转让公司的正式批文,完成了新三板挂牌,这也预示着杨丽萍文化公司筹划已久的资本市场之路即将开启。同时开启的还有坐落于大理的“云南映象——五朵金花大剧院”,这座设计灵感来源于苍山在洱海中倒影的剧院,今后将以白族民族原生态歌舞为主要内容,打造一台具有大理特色的原生态音乐剧。

    而是针对演员的表演

    《玉堂春》:打破习惯亮相的一个“碰头好”,加了一段“起解”,表现人物死到临头,充满畏惧、恐慌的出场,一下吸引住观众的注意力。

    然而,对前晚观看彩排场的观众而言,《雷雨》的经典性和时代意义,包括它在北京人艺的历史传承,其实都并不陌生,因为大多是比较专业的观众,平时也经常看戏,很多人甚至看过好几个不同的版本。这些观众大部分对北京人艺和《雷雨》心存敬畏之情,京剧名家关栋天就对这场演出赞不绝口,认为丝毫没有可笑之处。喻荣军也觉得戏很不错,一些笑点是《雷雨》演出本身会有的,但笑声不妨碍大部分观众觉得演出很精彩震撼。

    作曲家周雪石此次为《曹雪芹》创作,他直言“曹雪芹的名头太大,确实很有压力”。而在创作方面,他认为既不能用力过猛,也不能故作高深;毕竟是一部音乐剧,就算要保持思想性,但还是要好听、好看。

    不过,记者在演出后和很多观众交流中了解到,他们中大部分还是在演出中忍不住笑了。但他们同时也强调,笑并不是因为其他,更多是因为演员的表演,一些观众认为,导演的调度也存在问题。一位当年看过2004年陈薪伊导演的明星版《雷雨》的观众表示,当时那个《雷雨》也非常忠实于曹禺的剧本,但却不存在笑点,因为演员们的表演非常恰如其分。在这个版本里,濮存昕主演的周萍、达式常演的周朴园、潘虹饰演的繁漪、田海蓉演的四凤、顾永菲演的侍萍、雷恪生演的鲁贵、佟瑞欣演的鲁大海、蔡国庆演的周冲,八个角色的演员都让人印象深刻,毫无可笑之处。

    蓝德记者王娟/文图完全黑掉的剧场,蛙鸣和金属撞击声混合着大雨落在屋顶上的声音。昨日,403国际艺术中心举行了一场特别的打击乐鉴赏会,来自美国的打击乐家作曲家迈克尔·W·蓝德带来了他创作的《元山》四部曲。采访中,记者无意得知,乐曲中的金属声是由武汉制造的铜锣发出的,由此引出这位作曲家和武汉铜锣的一段传奇。  40年前,对“高洪太”一见倾心73岁的迈克尔·W·蓝德生于美国,他不仅是一位作曲家,也经营打击乐器。蓝德介绍,学生时代他就曾在乐团里看见过武汉的锣,优美的音色给他留下的深刻的印象。1974年,他通过香港的贸易公司买进了第一批武汉制造的“高洪太”铜锣。在蓝德看来,武汉的铜制响器有着悠久的历史,在工艺上有着明显的优势。和瑞士、意大利制造的锣相比,武汉铜锣采用的金属成分配比不一样,体现在音色上也有着差异:“武汉铜锣的音色温暖而独特,给人以非常震撼的效果。”上世纪70年代末,蓝德移居德国科隆,他创建了打击乐器行AsianSound,开始将武汉锣成批带入欧洲。1983年,蓝德首次来汉,在位于石牌岭的国营锣厂看到了“高洪太”铜锣的制造过程。熊熊的炉火前,工人们不断拉动风箱,锣坯被烧得通红,还有工人们用锤子击打的响声,还有定音的复杂工序,都让他感到震撼:“我以前只在照片上看到这些场景。”  “大咖”和医生,都是武汉铜锣粉丝目前,AsianSound已经成为德国最大的亚洲打击乐行,每年春秋两季蓝德都要来武汉挑选铜锣,而每年都有上千面铜锣经过他的手进入欧洲市场。蓝德介绍,中国人的锣不但用于乐团,也会在婚丧嫁娶等场合中使用,而欧洲的铜锣主要作为乐器卖给了专业的交响乐团、打击乐团。“柏林爱乐、纽约爱乐、巴伐利亚广播交响乐团、费城交响乐团、芝加哥交响乐团、洛杉矶交响乐团,还有美国大都会歌剧院,用的都是武汉铜锣。”蓝德回忆,上世纪90年代,著名指挥大师切利毕达克率慕尼黑爱乐乐团到科隆演出,曾专程留出时间准备去蓝德的仓库挑选铜锣。可惜,大师因为排练时间延长没有成行,但乐团还是订购了整套武汉铜锣和镲等乐器。“这一次,我和切利擦肩而过。”著名作曲家斯托克豪森,常常是先到蓝德的仓库里挑选乐器,然后根据铜锣不同的音色来创作作品。“有的客户会花整整3个小时,来挑选一面合适的锣。”专业乐团之外,蓝德也在不断拓展市场。他介绍,近十年来,铜锣在欧洲被越来越广泛地用于音乐治疗和养生,作为一种特别的疗法很受一些医疗机构和高级白领的欢迎。“和演奏用的铜锣不同,治疗用的铜锣更强调声音的厚度,要有悠长的泛音。”现场录音,他用武汉铜锣谱曲作为一名作曲家,蓝德同样不掩饰对武汉铜锣的钟爱,也因此对武汉这座城市爱屋及乌。昨日演奏的打击乐《元山》中的镲、锣等乐器都来自武汉,还有不少声音就录制于武汉铜锣的制作现场,蛙鸣则来自武汉朋友家附近的池塘。蓝德介绍,这部作品描述的是他对人与世界乃至宇宙关系的作品,其中不少哲思都少不了中国传统文化的影响,如太极、轮回等。

    被问及是不是因为北京人艺的演剧方式已经“过时”,大部分“笑场”观众都认为,并不是这样现实主义的表演方式有问题,而恰恰是因为这样的表演方式,对演员的表演技巧有更高的要求,才更暴露出演员们在功力上的不足。

    我突然想起“孝笋”、“泣笋”的传说,讲的就是三国东大司空孟宗为寡母泣生笋的故事。孟宗是三国时吴江县人,母亲生病,医药无效,大夫嘱咐他用笋煮汤食。但冬天无笋,他便前往竹林,抱竹痛哭。忽然地裂长出嫩笋几茎,他立即煮汤给母吃,服后竟然不药而愈。他的孝闻传遍四方,后来他官至司空。这样的孝子神话宛如“雨后春笋”,其实是国人的一种身体政治观,缘木求鱼不可得,转而卧冰求鱼,鱼如泉涌,成就了孝与廉的国家报答。可惜的是,李密既不像他的老师谯周先生那么周圆无碍,可以在三朝之内完成人格周天循环,也不如他的师弟陈寿因为不孝之举遭到两次清议,他要沉默得多。如果不是那篇横空出世的《陈情表》,我估计清朝黄小坪的《百孝图记》也不会收入他的事迹。

    一位戏剧学院的观众表示:“北京人艺的演剧方式,和生活化的表演是不同的,他对演员的形体、台词,都有很高的要求。但舞台上的这一辈年轻演员,似乎在这些表演技术上都不足以抵达他们的前辈,‘继承’或者‘模仿’,都只是浅层次的。对于现实主义表演而言,准确永远是第一位的,必须要符合人物性格和情境,但几位年轻演员对于表演细节和节奏的控制,对于台词表达的准确,都还存在不少问题,整个表演都显得僵硬,人物也就不那么准确,因此很多观众笑了。”

    谈及加盟《这就是生活》的原因,白凯南坦言,一直期待“体验一把不一样的生活”。再加上节目的精髓正是带领明星体验取舍之道,自称有选择障碍的他自叹决心“不弃疗”:“平时我特别怕选择,你说吃饭吧,我会想是吃火锅还是吃烧烤?火锅远,烧烤近,但火锅有打折券,烧烤有菜送,怎么办?选烧烤,会不会上火;选火锅,会不会太辣?……等我都想好了,饭都吃完了。所以我也想锻炼一下,好好跟他们学一下取舍。”而在实际录制过程中,最让白凯南难忘的并非艰苦的任务,而是回归简单生活的纯粹快乐。无论是到菜地拔萝卜,还是与同伴们在窑洞前自制烧烤,都一样回味无穷,“哪怕烤得特别咸,但吃得津津有味,特别开心。”  他拼得实力,更赶上机遇自2010年首次登上央视春晚,白凯南作为相声演员的形象就深入千家万户。但在观众的欢笑声背后,还有太多难以想象的创作艰辛。白凯南坦言,单纯讲笑话逗乐观众并不难,但要把作品变得高明,让人万万没想到却不简单,“作品不是一个个接着讲笑话,而是有曲折发展,有起承转合,要有在你意料之外的结果。”因此,这位春晚常客几乎是每年农历春节一过,就投入到下一年的作品准备中,“我给自己设定,每年最少出两到三个真正好的作品,从年头就开始给年底的晚会准备。”至于年末有否冲刺春晚的压力,他直言上央视春晚除了要有实力,更要靠机遇,“上央视春晚很难的,必须要题材和各方面都合适,必须是你正好给了一个大家需要的东西,还能处理好。”当记者问到羊年春晚可能与老搭档贾玲“拆伙”的传闻时,白凯南大方承认,笑言一切安排都听贾玲的。在白凯南看来,贾玲就像自己的妹妹,“搭档就像一家人,我们不用交流都能很懂对方的心情。”他人气大涨,仍敬畏恩师除了相声创作,如今的白凯南也活跃于综艺节目和影视剧拍摄。当天接受采访时,白凯南正在电视剧的剧组里,合作的则是恩师冯巩。白凯南笑言,出道至今,他的人气涨了不少,但师傅对他的严格却是不减丝毫。

    早报记者在演出现场发现,整台演出笑点最多的还是周萍、周冲和四凤这三个角色,尤其是三个人同台的戏份时,观众的笑场几乎达到了嗨点。而杨立新的周朴园出场,以及他和“繁漪”、“侍萍”的对手戏,几乎没有任何笑声。

    与中国文学名著和电视剧《西游记》中的唐僧形象不同,豫剧《玄奘》更接近于历史上真实的玄奘形象。为力求让该剧与佛教弘扬的“真善美”相一致,主创方专门邀请河南少林寺、白马寺和台湾佛光山寺等众多法师对该剧故事情节进行把关、指导。自创作之始,台湾佛光山寺给予了大力支持和协助,佛光山开山宗长星云大师为该剧题写了剧名。

    事实上,此前北京人艺在首都剧场复排演出的历史剧《吴王金戈越王剑》也遭遇了相似的境遇。而历史剧恰恰和年代剧《雷雨》一样,对演员的表演技巧有很高的要求,如果没有一定的技术训练和支撑,演员在舞台上是无法准确完成演出的。话剧表演艺术家焦晃就曾经在表演讲座时谈起,演员们如果没有很好的形体训练,他们连在舞台上如何走路,手脚往哪里放都不知道,演历史剧会显得滑稽。而此前,上海话剧艺术中心的话剧《韩信》恰恰印证了这样的窘境。这台历史剧同样遭遇了很多笑场,而当时观众们的普遍反映是,演员们的表演“太雷人”。

    韩剧及韩式综艺节目来势汹汹,另一股“韩流”也在暗潮涌动。近年来,韩式音乐剧屡屡来华演出,虽然看似波澜不惊,却明显在积蓄市场爆发力。曾推出中文版音乐剧《猫》《妈妈咪呀!》的亚洲联创公司,敏锐地捕捉到了韩国音乐剧产业的蓬勃兴起,该公司选拔了19名中国演员,赴韩接受当地的音乐剧专业培训。如今,为期六周的课程已经结束,在培训的过程中,年轻的中国音乐剧从业者强烈地感受到,这里的人才成长环境很值得学习和借鉴。  大学路是个明星“孵化器”韩国首尔,大学路,空气里飘着香浓的咖啡味道。

    在一些观众看来,《雷雨》笑场事件引发了各个角度的讨论,但也有可能是把简单事情复杂化。《雷雨》在今天是不是好笑是个伪命题,因为很多经典至今仍然还在演绎,莎士比亚的剧作演了400年,肯定也有脱离时代的情节,也有让今人觉得好笑的地方,但这些都不是最大的问题。在这起《雷雨》笑场事件中,演员的表演和导演的处理,本质上其实是艺术创作水准的问题。如果演员的表演能够准确一些,细腻一些,符合人物一些,很多笑点,可能就不存在了。

    万方编剧的《冬之旅》在今年8月曾获老舍优秀戏剧剧本奖,赖声川则是首次导演大陆剧作家的作品。而演员阵容的亮点是,已经87岁的蓝天野宝刀不老,暌违舞台多年的李立群重返戏剧……万方、赖声川、蓝天野、李立群,这令人期待的四大腕组合一同出现在发布会上,以各自的人生智慧和独特视角畅谈“从稚齿到白首”的艺术人生。  现场万方 蓝天野刺激我写下了这个戏《冬之旅》这部戏,剧本原名《忏悔》。万方说到这个戏的起缘,跟蓝天野有关。“前年,我们有一次碰到,天野老师忽然说:‘万方你能不能写一个像我这样的人,这样的戏?’我一愣,我说:‘您想演?’天野老师当时也没有肯定地说他是不是想演,但这就是刺激我。我回家之后,觉得这个刺激对我是很强的。为什么?因为我跟天野老师认识了那么长时间,好像有一种生命流水交融在一起的感觉。我们所经历的事情,我父亲跟天野老师的感情,让我觉得特别有感觉。”于是万方就开始琢磨这个事情,但到底写什么呢?她说:“我还是从自我的感觉出发。实际上《冬之旅》这个戏里,包含很多困惑,我想得到答案。比如伤害和怨恨、忏悔和宽恕,每一个人都不敢说我这个人对别人没有过伤害,或者心里没有存在过一丝的怨恨,我觉得不可能。这样的情感会变成忏悔和宽恕吗?忏悔和宽恕又意味着什么?人们会认为忏悔意味着要承认自己做错了,甚至自己犯了罪,这个很难。而宽恕更难,这是要有信仰的力量才能做到的。还有忘却,你忘却了,它就不存在了吗?该不该忘却?所以这部戏里包含了我很多很多困惑,但我是不是找到答案了,我也不敢说。我觉得写戏就是不断向答案靠近。最后我想说,它究竟是关于什么的,让舞台来回答。”蓝天野 第一个看到剧本就很想演这个戏已经87岁高龄的蓝天野是四大腕里面年龄最长的,他说:“万方的这个剧本写完以后,第一个看到的就是我。我真的是一口气就把它看完了。我感觉这个剧本是作者有感而发的,我很想演这个戏。”蓝天野对万方的这个剧本一直特别关注:“这个戏在还没有制作之前,剧本已经得了老舍文学奖。我听到这个消息很高兴,但是毕竟剧本还是要演的,光发表了,光成文学剧本还不行,戏是要演的。所以听说有人要做这个戏了,我特别高兴。让我没想到的是,万方忽然告诉我,说有位王可然先生,他们商量想让我来演这个戏。我对这个剧本特别有感受,特别想演,但我觉得这个戏已经跟我无关了,但是忽然又把我找来了,真的让我没想到。”蓝天野说:“我以前的话剧都是在我所在的单位北京人艺演的,这是第一次离开了北京人艺。大家可能想知道这个戏到底写什么,我只能跟大家说,这是在我从学生演戏到今年整70年的演戏生涯里,一个自己特别有感受、有我经历的戏,而且是和赖导和立群这些合得来的同行们一起合作的一部戏,真的是太好了!”赖声川 曾经见过曹禺先生 觉得万方和他很像赖声川说自己来北京十几年了,排演了很多戏,但这次和蓝天野、万方、李立群合作《冬之旅》,“说缘分都有点轻了,感觉有一种很大的荣幸和荣耀。”赖声川说:“多年来,我们在台湾做戏,是从没有传统开始的。这点我觉得很多大陆朋友很难理解,但我们在创作的时候,没有曹禺先生、老舍先生给我们引导,在我们开始的时候什么都没有。”他回顾自己当年跟李立群一起开始做创作的时候,台湾的戏剧基础非常薄,根本没有所谓现代剧场,只有几个人努力在做,就像在沙漠里盖房子一样,只能一直自己在摸索。我赖声川和李立群一起创作了十年,非常密集的创作了很多作品,包括《那一夜我们说相声》、《暗恋桃花源》等等。“那是我们30多岁、创造力非常旺盛的时代,但我回顾起来,我们是没有任何底的,我们是天马行空的。而现在我们这样天马行空的创作方式,终于可以碰到自己的底了,一种底蕴、一种传统,现在我们接起来了。我真的是非常荣幸能够参与这次的演出。”赖声川提到自己1981年在美国伯克利读博时,“有一天接到消息,曹禺先生要来访问我们学校。我在那天见到了曹禺先生,我记得是英若诚先生给他做翻译。我后来跟英先生也成了好朋友。我跟曹禺先生就见过那一次,但是留下很深的印象。我感觉到有一个伟大但是又很脆弱的传统在他的身上,因为在我们中国几千年的历史里面,他是第一个敢做那样的突破,敢往现代走,敢往新的创作方式走,结合一些西洋的范本来做属于中国的东西,非常了不起。我算是接着这个气了,所以回想起那天,很幸运。”赖声川见到曹禺的女儿万方,第一句话就是:“你跟你父亲好像。”他说:“那个感觉跟我1981年看到曹禺先生的感觉真的很像,也很亲切。我们都非常非常的兴奋,我觉得看到一个好剧本就是开心!这个时代好的剧本太少太少了。而我导的戏95%以上都是我自己编的,很少去导别人的戏。所以说这样一个作品,让我们几个都觉得要做这件事情,我想各位可以想像这是一个什么样的作品。我们目前工作很愉快,已经感觉到这个戏的震撼力量。”  李立群 《茶馆》台词几乎倒背如流从台湾到大陆,从舞台剧、相声到电视剧、电影,李立群的演技尽情发挥,就连蓝天野老爷子都称赞:“他演得比我好。”李立群说:“舞台剧是我生命中的一个戏剧摇篮,所有表演的训练背景、联想背景,一定是从舞台剧出发,然后才发挥在电视剧上。往往演了一段电视剧以后,觉得自己黔驴技穷、消耗殆尽,然后就特意找一些舞台剧,好好沉淀一下,把过去消耗的东西丰富一下,再去演电视剧。”李立群曾经演过大量的赖声川话剧,这次二人能够再度合作,也缘自二人之间多年积累的情谊。李立群说:“我觉得这个戏机缘巧合。大家都知道我跟赖声川导演以前是老伙伴,我们中间分开差不多19年没有合作。当然中间不断有电话联络,不断会见面和吃饭,聊一聊大家这段时间做什么事情。突然有一天,赖声川导演给我打电话,说有一个戏,你要不要参加?我当时觉得不要了吧,让我去赚钱吧,不要演舞台剧吧,以后再说吧。他后来第二次再打来的时候,我突然间觉得,对啊,老朋友这么长时间不合作了,为什么不再尝试一下呢?尤其是我们的友情一直在默默地积累。于是我就来正儿八经地看了这个剧本。”李立群说自己看完剧本之后,第一个感觉是想起了上世纪六七十年代自己还在念书的时代,“那个时候,正是比较喜欢看剧本、看诗、写诗的年纪。”当得知剧本是万方编剧,又是跟蓝天野合作,他更加高兴:“万方老师的父亲曹禺先生,在我们学生时代最喜欢戏剧作品的时候,是被台湾禁的,但是可以在大学中文系旁边买到盗版书。曹禺的书我们都看。人艺《茶馆》的台词我几乎可以倒背如流……天野老师这一辈演员们,在我们心目当中都是非常崇高的演员,从他们身上得到过许多表演的启发。这个话不是客气,是有根有据的。一个演员如果碰到曾经对你的表演有启发的人,真的是非常恭敬的。今天能够有这个缘分跟天野老师合作,跟曹禺先生的女儿合作,真的很荣幸。大家来看我们的表演吧,让我们在表演当中娓娓道来。” 本报记者王润J069

    一位常年关注上海话剧的业内人士表示:“其实北京人艺已经很不错,还是保留了很多传统剧目。相比起来,上海现在甚至连一台像样的历史剧都排演不了了。因为我们的演员现在完全缺乏戏剧表演的长期训练,这和以前北京人艺的传统差距太大了。我们现在的演员,大学四年基本功是不是扎实还不知道,就直接要用一辈子了。”

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